【設計史學式樣分析作業】

後現代設計形式的轉換意義與模式---以SITE設計的Best 購物中心、Mendini的Re-design style家具與April Greiman的Hybrid imagery為例

指導教授:楊裕富   研究生:邱宗成、馮永華  雲林科技大學設計學研究所博士班

後現代設計理論在作品中的呈現與反證是本文寫作的重心，筆者以1975-90年代間，美國設計團體SITE設計的Best 購物中心、義大利設計師Mendini對瓦西里鋼管椅的家具再設計與美國平面設計師April Greiman運用電子科技所呈現的合成影像等三個系列作品為例，說明後現代中對於教條、典範與意義的改變，並比對設計師學習與文化背景造成的影響。

關鍵詞:後現代、設計文化、形式意義

在二十世紀最後幾十年間，所興起的歐美後現代主義思潮，影響至今的台灣設計發展，後現代主義在西方學者的定義下，代表者西方生活形式的變革，與對現代主義的延續[1]。在本文中，筆者選擇三批在1980年代前後出現的設計作品，包含建築空間設計、家具設計與平面設計領域，作為探討的對象。這些設計師和作品都在設計史的寫作上，佔有一定的地位，並分別在設計中應用某些現代主義時期少見的形式與方法。這些形式背後所隱含的脈絡，如大眾消費文化，反主流設計文化概念與電腦科技影像概念，相當程度地成為後現代設計形式的表述方式之一。

本文透過作品的脈絡分析與串聯，閱讀後現代設計領域的展現。而如何營造具有全面性設計視野的關照，後現代理論背景整合的觀點，並兼具後現代閱讀的愉悅性質，是筆者寫作這篇論文的主要角度。

1960年代的普普藝術精神與70年代的環境藝術風潮，在美國資本主義文化的消費環境下，帶動新設計思潮，以大眾商業文化結合設計概念，而Sculpture in the Environment （簡稱SITE ）設計工作室，為Best家用產品購物中心，所重新設計re-design的系列建築外觀，最具有代表性。

SITE 是於1969年起由設計師James Wines所成立的設計團體，主要位於美國紐約，早期的關注焦點在發表有關公共藝術與建築趨勢的資訊，並以取得委託案設計為目標[2]。自1972年起，美國的大型產品公司Best 計劃與SITE簽約，在美國各地設計一系列有特色的展示中心，時間與特色分述如下:

1972年位於維吉尼亞州Richmond的立面剝落式設計展示空間

1975年第一棟位於美國德州休士頓Houston的Best展示空間以毀壞的空間意象開始。也是最常見於參考書目的作品。

1977年位於加州Sacramento的凹槽入口設計展示空間

1978年位於馬里蘭州Towson的傾斜脫離立面設計展示空間

1979年位於弗羅里達州Miami邁阿密的鋸齒分離狀入口設計展示空間

1979年位於弗羅里達州Hialeah的海里亞展示空間

1980年位於維吉尼亞州Richmond的森林設計展示空間

1984年位於威斯康辛州Milwaukee的內外部交錯設計展示空間

這批位於美國各地的銷售中心建築物，擺脫傳統的購物中心表現方式，以未完成、牆面傾毀、結構位移、面磚剝落、構造錯置、森林步道生態等非一般正規空間設計手法，所謂轉化建築的脈絡關係，以作為設計主題的彰顯。SITE設計師為提高大眾與購物中心的注意力與關係，透過這種De-architecture，解構建築的空間形式手法，作為取代準確完整的牆面構造，改造既有建築構造的意義準則。

閱讀SITE 在這批為Best設計的作品中，主要有二個時期的變化，第一個階段是在1975年的休士頓案以傾頹式風格，受到使用者與建築界的矚目後，開始以對建築形式架構的拆解為主軸，所延伸的一系列作品，透過建築物標準工程的解構，呈現出宛如災難後（地震、戰火、颶風或時間荒廢）的現象。

第二個階段則是在1979年海里亞展示空間，所形成的地方意象與空間效果的融合，並帶有生態環境的觀點，延續在1980年的森林步道空間設計中，表達環境與自然的意念。

和建築物間的形式隱喻互動的關係，這種美國式大眾文化的表現相當微妙。消費者在不以為真的心態，在高速公路上享受幽默的辨識性，這種宛如災難博物館的親身娛樂感，讓消費行為增添趣味。

而這批建築的共同特徵是，以傳統構造形式如空心磚牆的疊砌特色表現相當明顯，而色彩學的要素在這裡呈現兩種極端，一種是灰色調的呈現，另外則是單色的呈現，跳脫普普藝術風格的俗豔表現，讓使用者更關注在設計形式上。

顯然的設計師的思考模式類似於藝術品的創作，中心概念是對此商業建築的創新改造，改造的概念依造地區的及理念的發想，概念複製式的分布於各購物中心，將設計如同藝術創作般地，追求每一個地區的表現，但是不同於地方主義，這種設計仍有其創意的脈絡性可供追尋。

業主能將建築內所販賣的物品和建築物的表面形象作一分割，或者說是讓表面形象停留在其應有的隱喻中，而不干擾內部的購物行為，這種場景在南台灣都會區的舞廳、酒家經常可見，古典柱式和凱旋門的形象，背後都是一大棟的違章鐵架，和不能對比的交易行為。

有趣的是best建築構造上的這些表現，並不會帶給消費者恐懼與不安，因為稍具常識的現代消費者都知道，如此的建築構造所花費的成本，與其安全性都是值得信賴的。因此剩下的只有有別於一般傳統購物中心的單調與無趣，反映的是幽默和趣味。

不管空間型是如何，代表公司的Best四個大字永遠以清晰可見的排列順序，呈現在大門入口上方。配合寬廣的停車空間，成為吸引消費者的重要識別。

左腦與右腦的合併應用，展現設計師在處理機能的穩定，並將外觀與意境引入設計中。

外觀概念來自對基本物的增添裝修，交融式的情節來自兩個本質上相對的場境並存，

將空間意象的設計，加入消費的內容中，是商業空間構成的準則之一，消費對象是一般普羅大眾時，消費空間必須以淺顯易懂的方式出現，介紹或表現一眼可理解的趣味。這個作品中空間設計的藝術創意，被轉化為商業消費主題的過程，也是資本主義中將設計作為服務工具的精髓所在。

這種設計模式涉及建築的本質特性和偶然特性[3]，本質特性是來自於該建築型態的初現狀態，藉著重複的認知而形成的基模印象，偶然特性來自於設計師後設的狀態，藉由改變本質特性的部分結構、比例、色彩等要素特質，而形成的一種接近初始狀態，卻又呈現新意義的設計表現。70年代中期的美國，正值越戰與反文化運動風潮，新消費者追求差異與包裝文化的時代，也是後現代建築風與解構主義建築的萌芽期，這批公共消費性建築，呈現美國民眾的時空價值觀。在建築史介紹作品中，經常會和同一時期的解構建築作比較，與Best同期約在1977年完成的巴黎龐畢度藝術中心，在打破建築既成脈絡上，有著相近的發展概念。Frank Gehry於1979年在加州Monica的自宅設計，也呈現解構建築的意味，但是Gehry的建築大都是住宅或博物館設計，少見以建築大師所鄙視的量販店購物中心主題，更少見一系列的同一業主作品。而Chareles More以羅馬歷史風格，裝飾義大利社區市民公園的意念。都逐漸顯露出後現代中，在建築形式中植入歷史、藝術與敘事風潮的表現。

SITE將藝術融入商業建築的努力，讓藝術成為商業空間的符號，也承接美國普普文化的意義，呈現後現代裝飾形式的可用方向。

義大利著名設計師亞歷山大羅、門蒂尼Alessandro Mendini，生於1931年，畢業於米蘭工藝學院建築系，在加入孟菲斯設計集團前，曾經擔任Casabella，Modo和Domus等設計雜誌的編輯工作，這種見多視廣的背景，讓他對著名設計作品的認識與定位非常清楚。

在80年代門蒂尼的重要作品之一，是將包浩斯教師，馬歇布魯爾1927年設計的第一張鋼管坐椅，改成具有裝飾、娛樂意味的後現代設計。這種將經典設計作品再設計的方法，曾見於許多不同時期，畫家馬內將古典名作，改畫成草地上的午餐，激起觀賞者的新認知。現代藝術之父杜象，對於蒙娜麗莎經典形象的嘲諷手法，但是孟菲斯集團應用此方法，在後現代的潮流下，顯得相當普遍。家具再設計行為在80年代也成為一種潮流，包括歐洲新藝術時期Mackintosh的梯椅，李特維德的紅藍椅，都受到設計師的青睞。

熟讀家具設計史的讀者，都會認知到部分指標性設計作品，在設計史上所具有的意義和關鍵。這些作品和藝術作品的差異是，再造它們成為原作是隨時可能的，而其經濟價值並沒有提昇多少。

為設計史名作進行re-design所使用的式樣手法，通常都相當明快，在本作品的式樣拆解中，可將原作和新作品中所添加的雲彩效果圖形，拆解移動，更重要的是重繪雲彩效果圖形。

因此拆解分析步驟應該重新以原作為基本形。

就設計師所感興趣主題獲表現方式進行發展。

工業設計產品不似藝術品有原作的價值觀，但是產品卻可繼承來自名作的價值感，Re-Design的設計行為，一方面加強原被仿作品的經典地位，一方面也讓現有的作品，透過經典作品的符號意義，在行銷上立於不敗之地。而設計師面對經典採取的態度，相當程度地表現當代思潮及設計師的觀點。

這種態度最後都被歸類為後現代文化的特性。設計在形象轉換過程中獲利，成為商業市場的寵兒。延伸原作的銷售意義。

美國西岸新世代平面設計師April Greiman，生於1948年，自1970年代末期起，便在西岸發展所謂的混植意象設計手法，成為所謂實驗性新潮流（new wave）設計師。

格立曼的學習過程，受到瑞士任教於巴塞爾的印刷設計師韋格特Weingart的影響極大[4]，從瑞士國際平面風格，到成為80年代新影像風格的重要推手，其作品大約可粗分為兩大類型，在初期的作品仍具有構成與基本型態的特質，在和攝影師Jayme Odgers合作後，開始應用廣角照片，組合出動態感的真實空間，創造另一種型態的海報特色。

早期的平面設計作品中，常運用幾何原形型態、豐富的色彩、製造傾斜不平衡、重疊的平面線條和影像，表達出具有深度的平面空間感受，這種獨創性的畫面構成，有時海報平面如同萬花筒中的景象，顯現出深邃的空間感與變化色彩。

格立曼曾經在1990年著作的合成影像Hybrid imagery一書中，強調將現有的影像存放在磁片和影帶中，以供重複使用，另一個概念是透過電子科技，享受美感境界。其次加州文化的影響與電腦科技動畫的應用，都是塑造出新平面設計的背景。

本文以格立曼在1986年為加州藝術中心設計的簡介海報，與為當年四月份設計季刊所設計的海報為例，格立曼經常為建築及藝術設計學校，設計簡介與海報作品，對於設計學校所要的美感意象與科技知識效果，頗能掌握特色。這兩件作品的尺寸都是以橫幅方式展現，配合空間與人體的尺度，透過攝影的影像、線條、文字重疊效果，並以陰影的配合，創造出平面的空間感，物件彼此穿透的方式，產生虛擬與前後的對比，隱約可發現畫面的比例分割效果。

第一件作品以藝術學院挑高空間為底圖，將藝術學習者的形象與動作，配合鋼琴、圖釘、文件作品的自由散置，產生藝術意象的場景效果。

第二件作品作者以自身經過影像處理的裸體圖片為底圖，加上手勢與尺度、男女、文字，及恐龍、星球、爆炸、太空探險等符號，合成一幅主題為Does it make sense？的作品，現代女性設計師的敏銳與膽識，色彩影像的豐富性所帶來的視覺焦點跳動狀態，都成為其重要特色。

格立曼在這兩件作品形式上，以電子科技影像合成的工作中，基本上有著底圖的配置概念，其次是這類合成影像作品即使作品完成仍可隨時作修改與移動，因此其認知是經常處於變動狀態中，觀者的重心不在每件元素的意義，而是整體意象的把握與感覺。

因此對於這類作品的拆解，是可以選擇意象相近的元素，以替換和改變位置、色彩比例等各種方式進行。

格立曼的早期作品受到俄國繪畫大師Lissitzky的指導原則[5]，和瑞士設計師韋格特的構成方式影響，但在後期西岸風格的發展，透過電子科技影像的運用，發展出雞尾酒cocktail graphic平面設計風格，象徵著從構成抽象主義與蒙太期拼貼，邁向電子合成影像風格的變化，也代表平面設計接軌至多媒體數位動態影像前的階段。

今日以平面空間表達三度空間甚至時空動態的作品已屢見不鮮，開拓平面設計的多元性。特別是在許多平面設計史書籍中，格立曼經常被喻為二十世紀晚期，西方平面設計師的代表人物[6]。原因在於掌握科技的發源地，適時地運用電子科技結合出新的可能性。

後現代的設計在閱讀上，已逐漸從機能分析走向感覺分析，在設計方法架構上，已從形式結構邁向敘事狀態，台灣設計教育下的莘莘學子，在這股浪潮下應如何自處。

在這些作品中，設計師必須探討的基本理論是:什麼是建築教條？什麼是設計經典名作？什麼是電子科技影像技術？等基本問題，這也是成為前衛者的必須條件。當這些問題都有定案時，設計者所立足的反抗或改變才有基礎，後現代的感覺意味才能呈現。

設計師在多元的後現代領域中，面對各式各樣的消費使用者，從藝術、生態、歷史、文學、電腦科技中，借取觀念與技術，創造自己的展現內容，來應對求新求變的商業市場機制，形成流行與風潮，也說明了後現代設計師與文化生態的互動更形緊密。

更重要的是設計師有著師承與文化背景的影響，SITE來自美國大眾文化、反文化對建築定義的省思，兼具普普文化與地景藝術的影響，Mendini 繼承義大利的反設計傳統，Greiman受到瑞士國際風格與電子影像科技的影響，我們的設計師培養受到哪些影響呢？當文化的發源地和指導原則都來自歐美日地區，我們的學習者所講的語言，怎樣才能具有反映生活的能力。

參考書目

1.王受之，1997，世界現代設計，藝術家

2.Wines, J. 1989, SITE. New York.

3.Abel, C. 2000, 2^nd ed. Architecture & Identity, Responses to cultural and technological change.

4.Russell, B. Architecture and Design 1970-1990, New ideas in America.

5.Hiesinger, K. B. & Marcus, G. H. 1993, Landmarks of Twentieth-Century Design . an illustrated handbook .

6.Meggs, P. B. 1992,2nd. A History of Graphic Design .

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